Duke Ellington
Collectors
Label: Blue Ace – 12 BA 3601
Année de sortie: 196? – Us
Duke Ellington, nom d’emprunt d’Edward Kennedy Ellington, (né le 29 avril 1899 à Washington, D.C., États-Unis – mort le 24 mai 1974 à New York, N.Y.), pianiste américain qui fut le plus grand compositeur et chef d’orchestre de jazz de son temps. L’un des fondateurs du big-band, Ellington a dirigé son groupe pendant plus d’un demi-siècle, composé des milliers de partitions et créé l’un des sons d’ensemble les plus distinctifs de toute la musique occidentale. Ellington a grandi dans une famille de la classe moyenne à Washington, D.C. Sa famille a encouragé son intérêt pour les beaux-arts et il a commencé à étudier le piano à l’âge de sept ans. Il se passionne pour l’étude de l’art au cours de ses années de lycée et obtient, sans l’accepter, une bourse d’études au Pratt Institute de Brooklyn, dans l’État de New York. Inspiré par les interprètes de ragtime, il commence à se produire professionnellement à l’âge de 17 ans. Ellington joue pour la première fois à New York en 1923. La même année, il s’y installe et, dans les boîtes de nuit de Broadway, dirige un sextet qui, avec le temps, devient un ensemble de dix musiciens. Les mélodies singulières basées sur le blues, les sons rudes et vocalisés de son trompettiste, Bubber Miley (qui utilisait une sourdine à piston [« wa-wa »]), et les sonorités du tromboniste Joe (« Tricky Sam ») Nanton (qui jouait des sons sourds de type « growl ») ont tous influencé le premier « style jungle » d’Ellington, comme en témoignent des chefs-d’œuvre tels que « East St. Louis Toodle-oo » (1926) et « Black and Tan Fantasy » (1927). Des résidences prolongées au Cotton Club de Harlem (1927-32, 1937-38) ont incité Ellington à élargir son orchestre à 14 musiciens et à étendre son champ de composition. Il choisit ses musiciens pour leur individualité expressive, et plusieurs membres de son ensemble – dont le trompettiste Cootie Williams (qui remplace Miley), le cornettiste Rex Stewart, le tromboniste Lawrence Brown, le saxophoniste baryton Harry Carney, le saxophoniste alto Johnny Hodges et le clarinettiste Barney Bigard – sont eux-mêmes des artistes de jazz importants. (Le plus populaire d’entre eux était Hodges, qui rendait les ballades avec un son plein et crémeux et de longs portamentos). Avec ces musiciens exceptionnels, qui sont restés avec lui tout au long des années 1930, Ellington a fait des centaines d’enregistrements, est apparu dans des films et à la radio, et a fait une tournée en Europe en 1933 et 1939. L’expertise de cet ensemble a permis à Ellington de s’affranchir des conventions de la notation par section de groupe. Au lieu de cela, il a utilisé de nouvelles harmonies pour mélanger les sons individuels de ses musiciens et a mis l’accent sur des sections congruentes et un ensemble souple qui mettait en valeur le son plein de la basse de Carney. Il met en lumière des ambiances subtiles grâce à d’ingénieuses combinaisons d’instruments ; l’un des exemples les plus célèbres est « Mood Indigo » dans son arrangement de 1930 pour trompette en sourdine, trombone sans sourdine et clarinette à registre grave. En 1931, Ellington commence à créer des œuvres plus longues, notamment des pièces comme Creole Rhapsody, Reminiscing in Tempo et Diminuendo in Blue/Crescendo in Blue. Il compose une série d’œuvres pour mettre en valeur les talents particuliers de ses solistes. Williams, par exemple, a démontré sa polyvalence dans les célèbres concertos miniatures d’Ellington « Echoes of Harlem » et « Concerto for Cootie ». Certains numéros d’Ellington – notamment « Caravan » et « Perdido » du tromboniste Juan Tizol – ont été co-écrits ou entièrement composés par des sidemen. Peu de solistes d’Ellington, malgré leur importance dans l’histoire du jazz, ont joué aussi efficacement dans d’autres contextes ; personne d’autre, semblait-il, ne pouvait égaler l’inspiration qu’Ellington fournissait avec ses arrangements sensibles et magistraux. L’apogée de la carrière d’Ellington se situe au début des années 1940, lorsqu’il compose plusieurs chefs-d’œuvre – dont le « Concerto for Cootie » susmentionné, ses showpieces au tempo rapide « Cotton Tail » et « Ko-Ko », et les panoramas compressés à la structure unique « Main Stem » et « Harlem Air Shaft » – dans lesquels des successions de solistes sont accompagnées de diverses couleurs d’ensemble. La variété et l’ingéniosité de ces œuvres, toutes conçues pour des disques 78 tours de trois minutes, sont extraordinaires, tout comme leurs formes uniques, qui vont d’expositions logiquement fluides à des juxtapositions de lignes et d’humeurs. Le saxophoniste ténor Ben Webster et le bassiste Jimmy Blanton, deux artistes de jazz majeurs, faisaient partie de ce groupe classique d’Ellington. À cette époque, Billy Strayhorn, compositeur de ce qui allait devenir la chanson thème du groupe, « Take the ‘A’ Train », était également devenu le partenaire d’Ellington pour la composition et les arrangements. Ne se limitant pas à l’innovation en matière de jazz, Ellington a également écrit de grandes chansons populaires telles que « Sophisticated Lady », « Rocks in My Bed » et « Satin Doll » ; dans d’autres chansons, telles que « Don’t Get Around Much Any More », « Prelude to a Kiss », « Solitude » et « I Let a Song Go out of My Heart », il a fait des grands sauts d’intervalles une marque de fabrique d’Ellington. Un certain nombre de ces succès ont été introduits par Ivy Anderson, qui était la chanteuse du groupe dans les années 1930. Au cours de ces années, Ellington s’est intéressé aux possibilités de composer du jazz dans des formes classiques. Sa suite musicale Black, Brown and Beige (1943), un portrait de l’histoire afro-américaine, est la première d’une série de suites qu’il a composées, généralement constituées de pièces liées par le sujet. Elle a été suivie, entre autres, de Liberian Suite (1947) ; A Drum Is a Woman (1956), créée pour une production télévisée ; Such Sweet Thunder (1957), des impressions de scènes et de personnages de William Shakespeare ; une version recomposée et réorchestrée de Nutcracker Suite (1960 ; d’après Peter Tchaikovsky) ; Far East Suite (1964) ; et Togo Brava Suite (1971). La symphonie A Rhapsody of Negro Life d’Ellington a servi de base au court métrage Symphony in Black (1935), dans lequel on entend également la voix de Billie Holiday (non créditée). Ellington a écrit des musiques de films pour La jungle d’asphalte (1950) et Anatomie d’un meurtre (1959) et a composé pour le ballet et le théâtre – y compris, au plus fort du mouvement américain pour les droits civiques, le spectacle My People (1964), une célébration de la vie afro-américaine. Au cours de sa dernière décennie, il a composé trois pièces de musique sacrée : In the Beginning God (1965), Second Sacred Concert (1968) et Third Sacred Concert (1973). Bien que les intérêts et les ambitions d’Ellington en matière de composition aient changé au fil des décennies, ses caractéristiques mélodiques, harmoniques et rythmiques étaient pour la plupart fixées à la fin des années 1930, lorsqu’il était une star de l’ère du swing. Les mélodies et les rythmes brisés en croches du bebop ont eu peu d’impact sur lui, bien qu’il ait parfois enregistré avec des musiciens qui n’étaient pas membres du groupe, non seulement avec d’autres sommités de l’ère swing comme Louis Armstrong, Ella Fitzgerald et Coleman Hawkins, mais aussi avec les musiciens bop John Coltrane et Charles Mingus. Le sens de la dramaturgie musicale d’Ellington, les talents particuliers de ses musiciens et son large éventail d’ambiances étaient vraiment rares. Son don de la mélodie et sa maîtrise des textures sonores, des rythmes et des formes de composition ont traduit ses perceptions souvent subtiles, souvent complexes, en un corpus musical inégalé dans l’histoire du jazz.
Etat vinyle: NM
Etat pochette: VG++
Plus que 1 en stock